El Design Museum de Londres inauguró el pasado 11 de julio de 2025, More than Human, una exposición que reúne más de 140 obras de más de 50 artistas, arquitectos y diseñadores, muchos de ellos presentando trabajos inéditos, incluyendo cuatro nuevas comisiones.
In Plain Sight, on view at Halcyon Gallery’s flagship 148 New Bond Street until July 7 is an exhibition featuring artwork by David Hockney, Bob Dylan, Dominic Harris among other major contemporary artists.
Esta exposición explora cómo grupo de artistas responden a lo cotidiano, transformando lo mundano en milagroso. In Plain Sight se recogen obras de seis artistas con una estética brillante, fresca y alegre. Su trabajo muestra diversos enfoques estilísticos y técnicos, desde los vívidos tulipanes de David Hockney creados en un iPad, hasta la enérgica representación de los girasoles en acuarela de Bob Dylan y las flores digitales en flor de Dominic Harris. La exposición celebra la capacidad del arte para dirigir a su público hacia la belleza de lo cotidiano.
Un tema clave es la representación de flores. Pedro Paricio, Paul Cummins, Dominic Harris y David Hockney abordan el tema de maneras muy diferentes. Vistas en un espacio compartido, estas piezas dialogan: compiten entre sí, destacando la visión distinta de cada artista.
También están representados los estudios de figuras; la inmediatez de la técnica suelta de Bob Dylan se yuxtapone a la estilización rítmica de la forma humana por parte de Paricio. A diferencia de Dylan, quien en estas obras parece capturar al sujeto en el mismo momento de verlo, Paricio se inspira en los grandes retratos de la historia del arte, apropiándose de motivos, gestos y expresiones, e incorporándolos a su lenguaje visual único y contemporáneo. La serie de Pedro Paricio, titulada 9 Retratos, que pintó en 2023, se expone por primera vez fuera de sus Islas Canarias natales.
Paricio transforma momentos expresivos, representados en retratos por artistas como Pablo Picasso, Mary Cassatt y Artemisia Gentileschi, en diseños animados. Al eliminar los rostros de los retratos que lo han inspirado, elimina su individualidad, de modo que el retrato del siglo XVII se convierte en una representación de la humanidad universal.
También encontramos la última serie de pinturas de gran formato de Ernesto Cánovas. Este trabajo es el más ambicioso del artista hasta la fecha, trabajando con fotografías y otros medios y técnicas para representar recuerdos que implican una narrativa en desarrollo. Las obras de arte parecen oníricas, con el tema confuso como una representación abstracta de materiales encontrados. Tras una inspección más cercana, el tema se revela, debajo de las capas de vinilo y acrílico que han sido meticulosamente construidas a mano; figuras y objetos pronto toman protagonismo.
Exhibition: https://www.halcyongallery.com/exhibitions/81-in-plain-sight/
Pedro Paricio: https://www.halcyongallery.com/news/127-pedro-paricio-nine-portraits-in-detail/
https://www.halcyongallery.com/content/feature/2049/detail/artworks733/
Ernesto Cánovas: https://www.halcyongallery.com/content/feature/2049/detail/artworks719/
La artista Julia Huete realiza una residencia artística en Espacio Vilaseco trabajando en identificar usos aparentemente secundarios de materiales usados en el entorno rural de Galicia. La creadora está trabajando en la intervención de un pajar situado en las instalaciones de este espacio de producción artística.
Galería Vilaseco lleva desde 2023 realizando este tipo de residencias en las que ponen a disposición de los artistas un lugar de producción único y todos los recursos necesarios para dialogar, inspirarse y crear desde el entorno rural de Galicia, promoviendo la colaboración con agentes y entidades que tengan especial sensibilidad con la sostenibilidad, la igualdad de género y la artesanía.
La instalación en la palleria del espacio de Chantada es un reto por sus dimensiones y por estar medio a descubierto. Pensé en no limitar mucho la idea antes de ir, así que preparé algunos materiales que conozco para llevarme conmigo y que tuviesen relación con lo que había propuesto (vinilo transparente ya usado en otros proyectos) y dejé para la estancia allí el decidir que forma final tendría. Julia Huete
Según palabras de la artista «paseando por los alrededores encontré un film verde agua sobrante de las pacas de heno de los agricultores de la zona y decidí llevármelo para hacer pruebas, el resultado fue una cortina de este film que abarca el largo del bastidor de 16m».
Huete ha trabajado y aprovechado las características plásticas de un recurso que, no sólo es potencialmente un residuo contaminante (muchas veces lo es) sino que es un útil que posee unas propiedades concretas y que está presente en entornos rurales y artísticos como aislante, protector, separador, clasificador o protector.
Esta residencia ha sido posible con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).
Biografía Julia Huete
Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo donde realizó el máster y participó en programas de intercambio con la FBAUP (Oporto) y la UDG (Guadalajara, México). Su trabajo ha sido seleccionado en diferentes certámenes y concursos como Xuventude Crea, Novos Valores o Certamen Isaac Díaz Pardo. Fue premiada en otros como el Premio para Artistas Novos del Auditorio de Galicia o el concurso de pintura de la Universidad de Vigo. Está representada en la Galería Nordés donde tuvo dos exposiciones individuales. Ha participado en ferias como ARCO o Artissima y expuesto de manera colectiva en galerías como Espacio Valverde (2019) y Maisterravalbuena (2021).
Su obra se encuentra en colecciones como DKV, CGAC, CA2M, Colección María Cristina Masaveu Peterson o MICA. Además, recientemente ha sido premiada en el concurso de Cervezas Alhambra en ARCO.
Fue residente en la Academia de España en Roma (2018-2019), viviendo entre Italia y Madrid. En paralelo a su carrera realiza estudios de doctorado en la Universidad de Vigo.
El resultado de esta residencia será la 2ª intervención de uno de los espacios más singulares y relevantes del espacio Vilaseco: la palleira (el pajar). Da continuidad a la primera intervención, realizada por Rodríguez-Méndez.
Se trata de un espacio útil, con unas funciones y connotaciones muy concretas en las aldeas.
La obra textil de Julia encaja a la perfección en este espacio, que a pesar de ser abierto, está cubierto y da cobijo, es austero pero seguro.
Su propuesta explora los usos secundarios de las telas en el contexto rural, donde el tejido es, muchas veces, estructural y no estético.
Más información: https://espaciovilaseco.com/residencia/julia-huete/
Imagen de portada: Julia Huete durante su residencia en Vilaseco © Galería Vilaseco. Foto: Lucía Cereijo
Según nos cuentan desde la organización, el objetivo principal de las Residencias Vilaseco es facilitar a los/as/es creadores, investigadores/as y profesionales del arte, un espacio de producción artística para que puedan observar, comprender, aprender y trabajar diferentes procesos de creación contemporánea.
Unas residencias, que por su singular enclave (una aldea de Lugo con menos de 50 habitantes) promueven que los/as/es artistas se retroalimentan de la comunidad y el territorio a través de la convivencia con los vecinos/as/es, intercambiando saberes para la realización de ediciones y piezas únicas que impulsen y faciliten la conectividad entre el ámbito rural y el urbano, el arte y la artesanía, para promover acciones y piezas que sean respetuosas con el entorno rural y con el medioambiente.
Vilaseco ofrece un lugar de producción único, con todos los recursos necesarios para su trabajo, y una gran variedad de elementos con los que dialogar, inspirarse y crear, promoviendo la colaboración con agentes y entidades que tengan especial sensibilidad con la sostenibilidad, la igualdad de género y la artesanía.
Tras haber tenido como residente al artiste Pablo Diserens en 2023, estas residencias han acogido en 2024 a cuatro mujeres artistas: Idoia Cuesta, Julia Huete y Luz Moreno Pinart
Vilaseco realizará jornadas de puertas abiertas, en cada una de las residencias, para que diversos agentes del sector artístico se acerquen a conocer el trabajo de las creadoras.
Estas tres residencias cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).
Más información (en breve): https://espaciovilaseco.com/
Imagen © Galería Vilaseco / Auratica Fotografía
El punto de partida no es un tema que hilvane cada una de las obras, una palabra clave que sostenga la exposición como un esqueleto previo. Pero este esqueleto sí que existe, ha ido formándose al mismo ritmo al que crecen los cuerpos.
La 12A Biennal d’Art Leandre Cristòfol, en el centro de arte La Panera, está comisariada por Alexandra Laudo y Soledad Gutiérrez, junto con Cèlia del Diego, directora del centro. La mayoría de las piezas que la conforman han sido creadas entre 2019 y 2021, coincidiendo en gran parte con la crisis pandémica. Y aunque nacen de proyectos que ya estaban en curso, intuimos en estas obras la necesidad y la posibilidad de otro contexto, de otro paisaje; de revisionar presente y pasado y desear un futuro todavía posible.
Maddi Barber / Yours Truly, 2018
Maddi Barber (Lakabe, 1988) asume en Gorria (2020) las bondades y la crueldad del mundo rural, plantea otros ritmos. En Yours Truly (2018), junto a Christopher Murray y Charlotte Hoskins, reconstruye con antiguas cartas el camino recorrido por varias piezas taxidérmicas hasta su incorporación al Museo de Manchester. Estos cuerpos, antes con vida y ahora reducidos a artefactos, son un recordatorio incómodo de un pasado colonial e invasor justificado en nombre de la ciencia.
Con Unfixed infrastructures and rabbit holes (2020), la instalación de Mario Santamaría (Burgos, 1985), uno de esos animales parece cobrar vida. Vemos a un ciervo en una pantalla. Lo rodean máquinas y cables, en la propia pantalla, pero también en el espacio expositivo. Los cables se corresponden a un circuito de wifi alternativo al de la Panera, manipulado para que la información circule de la manera menos efectiva posible, desafiando así los principios que rigen estos sistemas. Santamaría reivindica su fisicidad y da prioridad al recorrido, no al destino. También se celebra el camino en Mapas irreversibles (2021) de Fermín Jiménez Landa (Pamplona, 1979), pieza en la que, tras preguntar a un transeúnte, dibuja en la pared el recorrido entre dos muros. Lo hace con trazos rápidos; es una línea, la abstracción de un territorio. Sumatra (todo es imposible) (2019), es un vídeo con sucesivos planos de palmeras siendo derribadas. Son imágenes hipnóticas con una lectura ambigua. Paradójicamente, el derribo de esta plantación es parte de una acción ecológica, pero no estamos seguros de si esto da margen a la esperanza, o si ya es imposible, como reza el título.
Si estos artistas reivindicaban el camino, Olga Olivera-Tabeni (Lleida, 1972) lo deja atrás y se detiene en los márgenes. En Trenta-quatre dies caminant al voltant de trenta-quatre parce.les (2019-2020), la artista recorre unas antiguas fincas sirviéndose como guía de documentos notariales en los que el terreno se define por sus límites. Olivera-Tabeni intenta reconstruir los antiguos paisajes y el rastro de sus dueños, pero es un proceso infructuoso. Queda, eso sí, un registro fotográfico de las lindes, ya desdibujadas, ajenas a la producción y pobladas de malas hierbas.
Olga Olivera-Tabeni / Trenta-quatre dies caminant al voltant de trenta-quatre parce.les (2019-2020)
Mientras Olivera-Tabani intenta reconstruir la relación entre el territorio y sus habitantes, Mariona Moncunill (Valls, 1984), realiza el ejercicio inverso. En Malpaís (Trilogía; vacances; malpaís/badlands), (2021), mediante vídeos y fotografías, elimina cualquier referencia humana de las películas de Sergio Leone. El desierto de Almería, escenario de numerosos spaghetti westerns, se vacía de significados. Inevitablemente, crearemos otros, pero tendremos, al menos, un espacio más amplio para hacerlo. Marc Vives (Barcelona, 1978) vuelve a introducir el cuerpo en el paisaje, esta vez el suyo. Es que ahora no puedo (2020) tiene como punto de partida su exposición en el etHall de Barcelona, en 2018. Cada día, nadaba y cantaba en frente a la montaña de Montjuic. Vives reconoce el entorno a través de su cuerpo. Convierte las rutinas en mantra, en una experiencia personal que logra transformar en colectiva.
Lola Lasurt / Emisión periódica definitiva 2017
La fauna que puebla nuestros paisajes, los fenómenos atmosféricos, la vegetación… funcionan como metáforas de comportamientos humanos en muchas leyendas. Son la herramienta de trabajo para Irene Solá (Malla, 1990) La artista se acerca a ellas buscando una conexión con el presente; cuestionando, de paso, la visión antropocentrista que proyectamos en nuestro entorno. Dos obras, investigan un motivo iconográfico repetido durante muchos siglos: una mujer cabalgando sobre la espalda de un hombre, como representación de la manipulación ejercida por el sexo femenino. Los formatos utilizados son el vídeo y el friso. Este último es también el lenguaje utilizado por Lola Lasurt (Barcelona, 1983). Lasurt reinterpreta la historia, pero en su caso se concentra en episodios mucho más recientes. Más que con la historia, trabaja con la representación de esta investigando hechos recientes pero previos a ella. En sus frisos recrea fotogramas televisivos, borra los rostros. Reflexiona así sobre la memoria, su reconstrucción y el olvido.
Estos artistas cuestionan la realidad o buscan alternativas a través de imágenes. Luz Broto y Mar Arza, en cambio, lo hacen con palabras. En Duplicar Ordres (en curso desde 2015) Luz Broto (Barcelona, 1982) recoge en diferentes ciudades carteles con órdenes escritas a mano. Los arranca de su ubicación y en su lugar coloca otros lo más parecidos posible. En La Panera observamos todos estos carteles descontextualizados, desactivados en un entorno ajeno al inicial. Nos cuestionamos entonces su validez y su lenguaje.
Mar Arza / Armario de Aristas (2021)
Mar Arza (Castellón de la Plana, 1976) trabaja con las palabras y sus límites. Lo que queda al margen del concepto, pero también de la página. Juega con la dimensión física de las palabras, las extrae de los libros con la precisión de un orfebre, experimenta con sus significados y con su forma.
Si como decía hay un hilo conductor que, aunque no preconcebido, sirve de esqueleto, las esculturas son su columna vertebral. Las obras de Lucía C. Pino y de Elena Aitzkoa brotan de manera orgánica, dialogan con el resto del cuerpo expositivo y funcionan de anclaje.
Enena Aitzkoa / Preñada (2018)
Lucía C. Pino (Valencia, 1977) parte de materiales cotidianos pero los retuerce y los modela hasta convertirlos en algo viscoso y tenso, tan incómodo como atrayente. Para esta muestra trae piezas que ya habían sido creadas. Juntas crecen los matices y se convierten en una reflexión sobre el pasado, una proyección al presente y al futuro, distópica y seductora. Las esculturas de Elena Aitzkoa (Álava, 1984) parecen surgir del suelo de La Panera, son cuerpo y paisaje que fluyen junto al resto de piezas. Hechas con materiales encontrados, telas y madera, semejan crisálidas de colores, acurrucadas antes de la metamorfosis.
Ponen el broche a esta exposición Do The Print, un proyecto editorial a medio camino entre diseño y arte que se expande por las paredes de la sala. No solo vemos publicaciones, sino también los procesos que llevan a estas: vídeos, audios, materiales impresos.
Salimos de las salas con dudas más que razonables sobre nuestro entorno, sus convenciones y sus dinámicas. Algunos artistas nos han mostrado lo evidente. Otros, han creado un microuniverso de alternativas poéticas, irónicas, distópicas. De manera orgánica esta bienal ha conectado con el momento actual y sus incertidumbres. Artistas y comisarias han escrito un relato sutil y lleno de matices, extrapolable a otras vidas, a otras crisis.
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La 12A Biennal d´Art Leandre Cristòfol, en La Panera, permanecerá abierta hasta el 13 de febrero.
Artistas: ELENA AITZKOA / MAR ARZA / MADDI BARBER / LUZ BROTO / LUCÍA C. PINO / DO THE PRINT / FERMÍN JIMÉNEZ LANDA / LOLA LASURT / MARIONA MONCUNILL / OLGA OLIVERA-TABENI / MARIO SANTAMARÍA / IRENE SOLÀ / MARC VIVES
Imagen de portada © Unfixed infrastructures and rabbit holes (2020), de Mario Santamaría