Rosana Antolí, ha sido la artista española más joven que ha expuesto en solitario en la TATE Modern de Londres. Del 2 al 12 mayo de 2019 pudimos experimentar esta propuesta: rompedora, estimulante y articuladora de inteligentes interpelaciones. Parte de esta iniciativa continuará en la próxima exhibición en The Ryder Projects que se inaugura el 23 de mayo en Bethnal Green.
Artistas
Halcyon Gallery presenta «Paricio – Picasso» comisariada por Simon Quintero. Una exposición en la que el artista español, Pedro Paricio explora los fundamentos de uno de los padres del modernismo, revelando cómo su obra ha sido una gran inspiración para su nueva producción. La muestra incluye obras de Pedro Paricio y Pablo Picasso, siendo en sí misma, un acto de homenaje de Paricio al maestro de Málaga.
Brit-Es, tuvo la oportunidad de hablar con el comisario de la exposición y con el artista. Aquí os dejamos una pequeña reseña de nuestra conversación con ellos.
Si hay algo reconocible en la obra pictórica de Pedro Paricio es su capacidad para integrar sus imágenes en nuestro imaginario colectivo. No es la primera vez, ni será la última, en donde el artista nos incita a reconocer en sus obras, aquellos maestros que cambiaron la Historia del arte a través de sus arrolladoras pinceladas, y lo hace a través de una particular e interesante mirada.
Pedro Paricio, Winter Blue, 2018
En esta ocasión, tal y como lo describe la crítica y experta en el Guernica, Rocío Robles, las obras de Picasso son reinterpretadas sustituyendo los rostros por una suerte de “caleidoscopio de color”. Paricio muestra las formas más esenciales de estas creaciones ya clásicas, y elimina aquellos aspectos que a priori, pasarían a un segundo plano.
Esto muestra una lectura muy sincera del mundo, porque reproduce la información de sus representaciones en “seudo pixeles”, afines a ciertas características de un sistema mediático que nos recuerda a su vez a una brillante estética contemporánea. Es así cómo el artista entabla un diálogo con el espectador de hoy, un público que vive en un contexto mediado por pantallas electrónicas, que se inscriben en colores casi puros, semejantes a las imágenes que nos encontramos a diario en nuestros dispositivos electrónicos.
El espectador, sin embargo, puede ser capaz de reconocer las formas que ya están en su imaginario (Un Guernica, Los Tres Músicos, Autorretrato, …). porque en la pintura de Paricio hay un encuentro anacrónico con una nueva imagen inscrita en lo contemporáneo, y que irremediablemente conecta con esta luminosa estética actual. La magia de Paricio está en el efecto “macro” que realiza sobre ciertas zonas donde están algunos detalles de las pinturas picassiana. Ahí descubres que esas partes no son lo que conforma el carácter icónico de la imagen hegemónica de Picasso, porque esos otros elementos fundamentales, se quedan intactos para que el espectador pueda reconocerlos.
Paricio por lo tanto, crea un lenguaje icónico propio a pesar de recurrir a relatos pictóricos existentes, él construye su propia narrativa sustituyendo los elementos de un rostro, en la mayoría de los casos, por un rostro inventado a base de formas de colores puros, “seudo pixelados” .
Una relectura de las formas que dialogan directamente con signos propios del Pop Art de Warhol o Wesselmann; sin embargo las formas “pop” de Paricio, no anuncian la eclosión de un consumo de masas, porque posiblemente su intención es otra. Quizás el artista quiera hacer un guiño a la sociedad mediada por dispositivos y pantallas que atraviesan nuestro entorno perceptivo continuamente. Sus pinturas serían una resistencia a la formas mediáticas que construyen actualmente nuestro imaginario, espacios vivos, limpios y planos pasados por el tamiz de una pantalla. Una fuerza plástica que le lleva a representar los hitos pictóricos de la Historia a través de su propia pintura, inevitablemente condicionada por el contexto visual del siglo XXI.
Los inquietantes “seudo pixeles” de Paricio por lo tanto, nos ayudan a imaginar en qué arquetipos se han convertido los trazos y las pinturas que en su momento revolucionaron la Historia de la pintura en el Arte. Un viaje más que interesante para ahondar en las huellas que dominan nuestros relatos artísticos, una invitación estética atrevida, fresca y contemporánea.
Pedro Paricio, Truth, 2018
Y aunque el artista insiste en que el arte no es una fórmula donde poder leer intenciones, y significados, su ya característica manera de hacer, nos recuerda a una especie de juego semiótico de Ferdinand Saussure. Forma y fondo, significado y significante como un baile de ideas y formas que se amontonan al encontrarse con los referentes de las series azules de Picasso, o los retratos replicados del Guernica.
Un Guernica que está instalado en la memoria de entendidos o no del arte. Un Guernica que atravesó fronteras y que fue expuesto tras la Exposición Internacional de 1937 en París, y después en el Reino Unido, con el objetivo de recaudar fondos para el National Joint Commitee for Spanish Relief, y que contribuyó en gran medida, a sensibilizar a la opinión pública británica sobre la situación de la guerra civil española.
¿Y por qué Picasso?. En la entrevista que le concede a Alastair Smart, Paricio afirma que Picasso es como el Teide (volcán de la isla que le vió nacer); una imponente presencia, casi inevitable, a la que tocaba “enfrentarse”. Y esto nos vuelve a llamar la atención sobre el personaje que crece tras su pintura. Pedro Paricio parece estar detrás de la enseñanza de la “paloma Kantiana”. Una paloma que alza el vuelo gracias a la resistencia que le ofrece el aire, siendo esta capacidad de vencer esa resistencia, aquello que le permite elevarse hasta las nubes.
Nos decía:
“Picasso me ha devuelto la libertad, porque los artistas necesitamos de grandes retos para seguir creando, los entornos complicados son los que nos hacen crecer”…
Eso, también lo aprendió de Picasso del que afirmaba destruía no sólo sus obras, sino incluso su vida, para después, volverla a construir. Y quién sabe si quizás, para seguir creando como el vuelo de la paloma, gracias, a la resistencia del aire.
La obra de Paricio, no es un reto al maestro, al fin y al cabo: “Nihil novi sub sole” -No hay nada nuevo bajo el sol- . Salvo el arte, que es lo único que persiste con una mirada diferente.
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Foto de portada: Pedro Paricio, Winter Blue, 2018. Cortesía Halcyon Gallery
Redes vivas es un proyecto dirigido a personas que se dedican al arte y la cultura y que tienen el deseo de poner la atención en los cuidados de la vida, la propia y la de todas que se plantea desde una plataforma virtual, como un espacio mixto, en el que generar nuevas vías de colaboración. Una red que facilite el cambio a través de la guía y el acompañamiento en la reflexión y la acción.
Javier Arce «Map of the Mould» en No20 Arts
No20 presenta «Map of the Mould», un solo exhibition de Javier Arce, desarrollado en papel, instalaciones y video, «Map of the Mould» es la primera exposición en solitario del artista español en UK. La exhibición es parte de la colaboración con la Galería Carles Taché y No20, comparten compromiso con la promoción de artistas en sus diferentes contextos.
La frase «Map of the Mould» es la reinterpretación que hace Arce de los versos del poema «Song for the rain season » de la poeta americana Elizabeth Bishop mientras reflexiona sobre la casa que su pareja, Lota de Macedo, construyó para los dos en la selva amazónica.
La conexión emocional con el entorno natural que emana de las palabras de Bishop es también el hilo conductor de la última serie de obras de Javier Arce.
Las obras de arte incluidas en esta exposición se desarrollan a partir de la decisión de Arce de mudarse a una cabaña en las montañas de Cantabria, la región forestal en el norte de España de donde es originario. Contrariamente a las implicaciones comunes que una cabina remota podría evocar, esta decisión no fue una búsqueda de la soledad aislada, sino más bien, un ejercicio para fomentar la creatividad mediante la conexión con la naturaleza, una oportunidad para reevaluar la sociedad contemporánea y la relación entre los dos.
Texto: No20 Arts
Javier Arce (b. 1973, Santander, España) es Licenciado en Grabado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco.
de la Escuela de Arte de Oviedo, y su maestría en escultura de La Escuela de Bellas Artes de Wimbledon. Arce ha recibido varios honores. Incluyendo Mención de Honor Generación 2007 en Madrid, la Fundación Arte y Derecho (2008) en España, y la beca International Studio & Curatorial Program (2009) en Nueva York.
Sus últimas exposiciones individuales incluyen The First Loan Exhibition. El museo bastardo, CAB, Burgos, España; Esta
Podría ser un espectáculo de importancia histórica, el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb; así como sus intervenciones en Espai 13 en la Fundación Miró de Barcelona, y Espai Quatre, Casal Solleric, Mallorca
No 20 Arts +44 (0)207 226 9083
20 Cross Street info@no20arts.com
London N1 2BG no20arts.com
Foto portada: Javier Arce, Gezi Taksim (Parque), 2015
Olalla Gómez presenta su obra en Just Mad 2019, de manera «visible» a través de sus tres pantallas de video y un documento escrito , y de manera «invisible» detrás de la pintura de la pared de su galería Antonia Puyó . Durante estos dias de feria, pudimos hablar con ella para que nos contará más sobre este inquietante proyecto artístico, puedes escuchar nuestra píldora sonora para conocer de primera mano cómo surgió la idea de su obra.
Como resultado de la residencia «Just Residence», la artista Olalla Gómez ha producido una obra bajo la tutoria del artista Eugenio Ampudia , su título es «Curriculum en Blanco» y a través de esta pieza reflexiona sobre la precariedad en el mundo del arte, y de los artistas, pudiéndose extrapolar esta denuncia al resto de la sociedad.
Olalla nos contaba: «Este año no he podido subsistir por otros medios que no fuera pintando casas, como pintor de brocha gorda, como se suele decir, y decidí darle la vuelta a esta situación dejando una línea de mi Curriculum Vitae: estudios , premios , becas, etc. Y en cada casa que iba cogía la brocha y ponía: «Licenciada en Bellas Artes», «Beca VEGAP», …y después de escribir esta línea de mi curriculum, las tapaba con la pintura de pared. De esta manera, invisibilizaba todo el tiempo dedicado a mi profesión como artista, mis sueños, mis ilusiones …»
Por otro lado, nos dice Olalla, la gente de estas casa que pinté no saben que tienen una linea de mi curriculum en su pared, un guiño a la invisibilidad de la situación que las artistas vivimos y su falta de atención.
Y ya en la feria, también intervine con una línea de mi curriculum la pared de mi galerista, Antonia Puyó asi que la gente no sabe que ahi también hay una parte de mi curriculum invisibilizado. Además mi galerista Patricia, jugó conmigo un poco y se dejó engañar , y me contrato por dos horas para realizar ese trabajo de invisibilización de mi propio CV en la feria.
La residencia Just Mad ha consistido en un mes de trabajo en un espacio de producción, Espacio Oculto, junto con otros cuatro artistas y una bolsa de 1000 euros para el desarrollo de la pieza. Y también , claro, contábamos con la ayuda del artista Eugenio Ampudia, que fue genial y que le encantó el proyecto, sintonizamos mucho.
JUSTMAD vuelve con el programa de residencia de artistas. Olalla Gómez, Diogo Tudela, Varvara Guljajeva & Mar Canet y Jonathan Notario trabajaron en obras relacionadas con la tecnología digital, el audiovisual y los nuevos medios, así como en proyectos que involucran al espectador. y Eugenio Ampudia fue el artista encargado de asesorar y comisariar la presencia en la feria de los artistas.
El lugar elegido para el trabajo de los artistas fue Espacio Oculto, destacado espacio independiente de Madrid. Anteriormente han albergado estas residencias las ciudades de Avilés, Madrid y Málaga, dirigidas y tutorizadas por Carlos Garaicoa, Darío Escobar, Andrea Pacheco y Asier Mendizabal. En ellas han participado artistas latinoamericanos y europeos como Liliana Zapata, Mariana Murcia, Gustavo Blanco-Uribe o Anna Nosowicz
WeCollect, SpainNow y SCAN presentan Matter, una exhibición de 13 artistas internacionales que viven y trabajan en Londres: Holly Hendry, Ernesto Cánovas, Gracjana Rejmer, Robert Cervera, Patricia Pisanelli, Alan Sastre, Nora Aurrekoetxea, Antoine Langenieux-Villard, Silvia Lerín, Pablo Castañeda, Saelia Aparicio, Kristian Kragelund, Pablo A. Padilla Jargstorf. Del 15 de enero al 15 de febrero del 2019, en The County Hall Gallery.
Algo está pasando en la escena artística londinense. El arte español y sus profesionales se unen en una iniciativa expositiva casi inédita en esta ciudad, y es que hablamos de cómo un anfitrión emplazado en el emblemático County Hall de Londres, WeCollect Club, promotor de la iniciativa y recién aterrizado en la capital inglesa, colabora junto con dos experimentadas plataformas curatoriales de la capital británica: Scan y Spain Now.
Holly Hendry. Attend to your configuration, 2017
Plaster, jesmonite, oak, pigment, steel, aluminum, marble, birch ply, cement, grit, rock salt, turmeric, ash
197cm x 60cm x 75cm
Quizás algo que podría ser más que normal en cualquier sector, es cuanto menos peculiar en el mundo del arte contemporáneo. Una propuesta para aunar los esfuerzos de un recién abierto espacio expositivo con vistas a cautivar el mercado del arte anglosajón, y los saberes acumulados por los años de experiencia en la ciudad, de los comisarios que forman SCAN y Spain Now.
El espacio expositivo que dirigen Enrique del Rio y Amaia de Meñaka (WeCollect) ha llegado a la ciudad para vender arte. En su primera exposición coincidiendo con la apertura de la feria Frieze mostró un solo show del artista Miki Leal. En esta segunda propuesta, se organiza «Matter» una exhibición colectiva de artistas “londoners” que muestran a través de su arte, un hilo conductor común: el material como medio, como forma y como excusa.
Lo que WeCollect, Scan y Spain Now presentan en esta muestra es un diálogo con el arte contemporáneo que se respira en una ciudad como Londres, con las que recrearse en cierto abandono lógico.
Holly Hendry, una joven escultora londinense que expuso uno de sus grandes proyectos en la plaza de Exchange Flags durante la Bienal de Liverpool´18, muestra en «Matter» dos esculturas que te hacen pensar sobre los cuerpos sólidos, su contundencía y el juego de querer acabar con esta rotundidad de la construcción a través del baile de torsiones inexplicables que presionan una masa de colores ingenuos. Una escultura que parte de los elelmentos propios de los materiales de construcción para deconstruirlos en otros sentidos y percepciones
Ernesto Cánovas y Gracjana Rejmer, presentan obras intervenidas como pareja artística y como artistas en solitario. Las obras de Gracjana Rejmer-Canovas, reconocibles por sus llamativos y recurrentes colores presentes en sus obras, construye composiciones con esponjas de diferente tamaño y color, esta obra fue finalista de John Moores Prize con ‘Electric Landscape’ 2018. Por otra parte Ernesto Cánovas es uno de los artistas españoles más asentados en la ciudad inglesa. Ernesto es representado por la Halcyon Gallery en Mayfair, en donde hace unos meses, presentó la exposición Fake News.
Robert Cervera, presenta tres piezas a partir planchas tecnológicas y el comportamiento del material maleable sobre ellas. El artista muestra un interés recurrente en el diálogo entre lo molecular y lo molar: falta de forma y flujo, según define él mismo. Robert fué uno de los artistas seleccionados para los premios Bloomberg New Contemporaries y Mark Tanner Sculpture en 2015.
Patricia Pisanelli, una artista brasileña que exhibe tres piezas y un recreo dialéctico centrado en lo gastronómico y entre lo que parece y lo que es; quizás una posible alusión a la sociedad de simulacro de Baudrillard.
Alan Sastre, exhibe dos grandes lienzos y una serie de pequeñas piezas que hacen mención explicita a la tesis de la exposición: la materia. Una representación que seduce al intuir un movimiento tras la huella del material, una especie de inevitable pista, un testigo, una marca, un rastro fascinante. Sus últimas exposiciones en la ciudad londinense fueron: 40 Celsius en Asc Art House Gallery London y DO RE MI FA SO LA TE en la galería Griffin.
Nora Aurrekoetxea ST (Column), 2018. Plaster, ceinforcement bars, chain. Dimensions Variable
Nora Aurrekoetxea, la artista vasca actualmente estudia en el Royal College of Art de Londres, y en el 2017 recibió el premio de las artes visuales de la Fundación Botín y estuvo en la residencia Solomon R.Guggenheim Museum, de New York. Nora construye sus piezas con cadenas, y objetos ligeros pero contundentes, un recurso que carga de simbolismo el lugar que ocupa.
Antoine Langenieux-Villard, es un joven artista francés que trabaja con diferentes materiales, en esta ocasión presenta unas piezas realizadas con plásticos, algo que no se puede apreciar en su materialización. Según él mismo afirma: su trabajo se centra en realizar una investigación constante del plano pictórico al observar detenidamente la estructura de la superficie, las manipulaciones del soporte y las técnicas empleadas.
Las obras de Antoine, estéticamente impecables, apelan a una curiosidad por la manera de formalizar sus obras, una destreza técnica y un conocimiento de la manipulación y resistenca del material consiguen confundir a quien observa sus obras, sin saber qué material está manipulando.
Las pinturas, objetos y ensamblajes de Silvia Lerin provienen de la arquitectura, de los restos de la naturaleza o de los espacios que conducen a historias. Ella responde a su entorno inmediato y representa un diario visual de circunstancias y respuestas emocionales, este trabajo fue construido entre tuberias, conductos de aire, calentadores. Silvia ha sido una de las artistas que recibió la ayuda de Fundación Pollock-Krasner de Nueva York.
Pablo Castañeda, artista sevillano que terminó sus estudios en la Saint Martins University of the Arts de Londres, fue uno de los artistas finalistas del último premio de arte de la Embajada de Brasil en 2018. «VIA Arts Prize», y ahora en «Matter» exhibe su particular técnica de creación, que es una de las mayores características que le identifican como artista.
Saelia Aparicio, construye imaginarios propios diseccionando los cuerpos y generando narrativas propias, sus obras son una clara invitación a adentrarse en un mundo insinuante, divertido y crudo. Saelia será una de las artistas de Generaciones 2019 de la Casa Encendida, que próximamente se inagurará en Madrid. Vive y trabaja en Londres y ha estudiado en el Royal College of Art.
Pablo Padilla
Kristian Kragelund, artista danés que explora nociones de tiempo y cambio creadas a través de reacciones de diferentes materiales y objetos. En este caso son pequeñas piezas de paneles solares que componen un mosaico de colores y matices que el tiempo se ha encargado caprichosamente de colorear. Las cuatro piezas que se exhiben en «Matter» forman una especie de «cuadríptico» que parecen ser una composición pictórica.
Pablo A. Padilla Jargstorf, arquitecto, artista sonoro y compositor. Sus obras trasmiten ese empeño de explorar el mundo desde las multiplicidad de visiones. Pablo, presenta en «Matter» una trabajo de arte visual, una escultura y una ilustración en torno a una forma que se repite una y otra vez.
La exposición «Matter» es sin duda una visita obligada para cualquier persona amante del arte contemporÁneo, y estará abierta hasta el día 16 de Febrero en la galería del County Hall de Londres. ¡No os la perdáis!
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Foto portada © Silvia Lerin. A metal flower is a dead flower (diptych), 2017. Acrylic on canvas and on wood.
Brit Es Magazine y MAV Mujeres en las Artes Visuales anuncían la Presentación de los cinco proyectos seleccionados para la Bienal de las Mujeres en las Artes Visuales 2018 en un evento de tres días en Londres.
La Bienal de Mujeres en las Artes Visuales rompe fronteras y aterriza en el epicentro artístico de Londres.
LONDRES. Ira Lombardía “SCAN-AR #2. ARTISTS RESIDENCY” Del 1 al 30 de julio 2018. Scan Project Room
SCAN abre la segunda edición de su programa estival de residencia de artistas en su galería del este de Londres SCAN Project Room, y lo hace con la artista asturian Ira Lombardía (Asturias, Spain, 1977).
‘Culture Holding Live’, es una creación artística de isidro López-Aparicio, realizada con la participación de los estudiantes de español del Instituto Cervantes de Londres dentro del programa de innovación educativa ‘Making Art Happen‘, de la Asociación Cultural Exprimento Limón, que tiene por objetivo, incorporar el proceso artístico del artista como método de aprendizaje. Un proyecto realizado con el apoyo del programa de Ayudas a la Creación del Ayuntamiento de Madrid.
© Cristina Calvo
Javier Chozas, presenta su Degree Show MFA Fine Arts de Goldsmiths University el 12 de julio de 2018 de 6pm a 9pm (Laurie Grove Baths ). Os presentamos una pequeña reseña de su trabajo que pronto esperamos ampliar, tras su muestra esta semana en Londres.